sem título, caneta e aguarela, 43,5 x 30,4 cm

Uma das coisas mais bonitas que a passagem de uma pessoa pelo miolo da cidade permite é não se estar a fazer conta com nada, entrar por uma porta aberta e, como por encanto, encontrar um acontecimento, uma personalidade, uma obra apreciável e o ensejo de falar de tudo isso.
A minha passagem pelo Chiado forneceu-me uma dessas oportunidades: uma exposição de Fernando Dôres, para ser mais preciso. Nota: não esquecer o chapelinho na letra “o” (que o meu computador se recusa a colocar) e bem assim o “p” na palavra “Metamorphoses”, pois é esse o título da mostra apresentada. O conjunto de obras representa uma acumulação extraordinária de meticulosas atitudes. Cada trabalho denuncia esse imenso vagar do espírito que permite, em cada passo que conduz à sua produção, concentrar totalidades diversas em que cada parte é destacável do todo sendo, não obstante, parte inalienável da síntese final. Isto é: o observador pode congeminar a marcha dos gestos do artista criador; decifrar apetitosamente como tudo pode ter-se passado, encontrando em cada jornada um infinito prazer de descoberta e revelação.
Não obstante, e como já foi dito, o resultado produzido nem por isso é menos uma unidade coerente e expressiva.

Figura e fundo, uma dualidade sempre em evidência

A sucessão de episódios construtivos da obra tem outra característica muito peculiar: cada um se filia numa forma de pesquisa com características próprias; operações entre si muito diversas na manipulação dos materiais e na variedade das técnicas. Casar tudo isso duma forma dinamicamente harmónica e sugestiva é o segredo do artista. A nós é deixado o ensejo de observar cada trabalho desde a sua génese até ao requinte do enquadramento de apresentação − mais que uma simples e substantiva moldura, quase sempre tratada como elemento adicional de surpresa. Começo por aludir ao primeiro dos elementos presentes na “descoberta” de cada obra: a fortíssima categorização das ideias de “figura” e de “fundo”. O céu, o chão, o horizonte ou a misteriosa distância a que se situa esse “fundo” é um exercício de subtilezas, baseado em grande número de trabalhos numa técnica da projecção de partículas de cores diversas. Simples, dirá o observador incauto; rigoroso e expressivo digo eu, pela justeza e sobriedade das categorizações conseguidas. O recorte e a colagem são outro dos episódios facilmente despistáveis do processo criativo, sendo apreciável a singeleza e o engenho colocado na pesquisa de cada elemento utilizado. A decifração da origem de cada fragmento é pitorescamente poética, e revela a adopção de “achados” que equivalem ao embuste teatral de tornar complexo o que é simples e à simulação mágica de tornar simples o que é complexo.

Atravessar a ponte que nos conduz ao país das metamorfoses

Os gestos do desenho reforçados por uma ideia subtilíssima da pintura são o argumento principal de que dispõe Fernando Dôres na área da invenção (ou da revelação dos sonhos…).
Personagens que se desdobram noutras, fisiologias complexas, órgãos simbióticos que placidamente se enfrentam, todos oriundos de horizontes de estranheza que, contudo, não assustam nem amedrontam quem os visite. Há qualquer coisa entre o pitoresco das fábulas e o absurdo dos mundos fantásticos nesta congeminação metamórfica de seres bem dispostos que convivem perfeitamente com a sua própria complexidade. Metamorfoses, sim, seja a palavra grafada com éfe ou ph, entendendo-se a utilização desta última forma pela carga de expectativas que sugere. “Metamorphoses”, sim, como ponte que atravessa para o país das visões problemáticas, oportunidade de fazermos as pazes com o universo das coisas estranhas e inquietantes que não conseguimos nomear.

A rádio paga por todos nós na divulgação da arte e da cultura

Ouvi esta manhã pela RDP 1, em noticiário nacional, que certa estrela de Hollywood vai inaugurar uma exposição de pintura de seu pai, em Lisboa. A notícia não era dada de modo avulso porque uma comentadora suplementar dava referências quanto à qualidade da pintura exposta, influências registadas, etc. Os pais dos artistas de Hollywood têm todo o direito de vir fazer digressões a Lisboa, à Europa, a todo o mundo, enfim. No entanto, as emissoras públicas de rádio (que somos obrigados a pagar junto com o recibo da luz eléctrica, quer as ouçamos ou não) e em geral a grande comunicação social sedeada na capital (que toda ela é paga por todos nós…) incluindo a Antena 2, deviam procurar dar-nos a ideia que entre a fronteira espanhola e o Oceano Atlântico há algo mais do que Lisboa, sua cultura, seus personagens e seus acontecimentos.
O que nem sempre acontece, com manifesto prejuízo para todo o país que somos, e não enobrece particularmente os próprios habitantes da enorme cidade, outrora chamada “de mármore e granito”.

Este texto foi publicado pelo Diário de Coimbra

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Esta notícia fica aqui apenas como lembrança de um momento

Tenho o prazer de anunciar aos meus visitantes que se reforça a antiga amizade que me liga ao semanário Trevim, da Lousã, localidade onde também resido, mediante o aparecimento de crónicas breves com temas genéricos sob a designação de “bicas curtas”.

O “Trevim” toma o seu nome a partir do topónimo do cume mais elevado da Serra da Lousã e é um periódico muito conhecido e prestigiado da imprensa local, cuja publicação vai comemorar o seu quadragésimo aniversário no corrente ano, dado que começou a ser dado à estampa a 1 de Outubro de 1967.

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Uma visita feita à estação de caminho de ferro da Lousã diz muito mais ao cidadão atento aos valores do património no seu sentido lato do que ao artista cativado pela ideia de uns simpáticos painéis de azulejos.
Os 100 anos comemorados acentuam a noção de que nos encontramos perante um património objectiva e subjectivamente valiosíssimo, da época fantástica da expansão da ferrovia.

A totalidade do espaço ocupado pela estação, remetido à época que a viu nascer, revela amplidão de horizontes e de fé no futuro, os quais poderão certamente associar-se à melhor tradição do espírito produtivo da Lousã.

Oxalá que um tal conjunto possa ser mantido em todos os elementos que o caracterizam, se possível restaurados nos aspectos em que começa a tornar-se mais notória a sua degradação: além do mais, o “cais coberto”, exemplo que se torna raro dos edifícios de trabalho que tão numerosamente têm sido destruídos em Portugal, com o gabarito respectivo, a balança e um guindaste de operação manual, portentoso vestígio de arqueologia industrial, magnífico na singela inutilidade a que as modernas tecnologias o remeteram.

O cais coberto – como provo o presente-futuro desta notícia – desapareceu, como “por desencanto”.

Onde terá ido parar o precioso guindaste?

Sobre os azulejos

Os azulejos que se encontram na estação da Lousã, eles também carentes de cuidados de restauro, não são propriamente “painéis de azulejos” no sentido mais enobrecido que se dá ao termo.
As cercaduras, construídas com azulejos de série, nada têm a ver com o motivo central, não são do mesmo estilo nem da mesma técnica, sendo notório o facto de não serem das mesmas dimensões entre si, o que obrigou a pequenas manobras de aplicação, especialmente visíveis nos dois conjuntos centrais. Tais cercaduras, formadas por um encadeado singelamente decorativo de flores e folhas, são encimadas por medalhões que pouca qualidade acrescentam ao conjunto.
As três placas de azulejos que mostram a palavra Lousã, ao centro e nas paredes laterais da gare, têm cercaduras com o mesmo padrão, mas em azulejos visivelmente mais recentes, de vidrado liso e já não relevados como os das cercaduras restantes.
Os motivos centrais, ao gosto de ilustrações da época ou bilhetes postais, não se encontram datados nem assinados por Jorge Colaço, contendo a indicação, isso sim, de que foram produzidos nas “oficinas de Jorge Colaço – Cª das Fªs. Cª Luzitânia”, o que é diferente, como a sua execução amplamente denuncia.

Se os interessados visitarem por exemplo a estação de S. Bento no Porto, decorada com os seus espampanantes vinte mil azulejos historiados, assinados pelo artista, ou os painéis do Grande Hotel do Buçaco, do mesmo autor, e fizerem a comparação com estes da estação da CP da Lousã, saberão perfeitamente de que é que estou a falar.
Termino fazendo referência a um objecto clássico em todas estações da CP: o indispensável relógio de Paul Gaultier, neste caso ausente por nunca ali ter estado, ou por ter sido removido.
Oxalá fosse esse o único elo em falta na cadeia de expectativas da velha linha de caminho de ferro, cuja estação de chegada é como as horas dadas por relógios ausentes, de mostradores com números muito avultados, mas sem ponteiros que esqueceram o que foi o antes e ainda não sabem o que será depois.

Este texto foi publicado no semanário “Trevim” de 14 de Dezembro de 2006, no suplemento comemorativo do centenário do Ramal da Lousã (ainda circulava o comboio na linha que entretanto se esfumou, no fundo de um bolso qualquer…)

Esta fotografia desértica fica aqui, imprecisa e desfocada, como um sonho ou lembrança do passado…

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A peça comentada, que não tinha um folheto de luxo com ilustração própria, permite-me mostrar em sua substituição esta belíssima obra de Almada Negreiros, que vi exposta na Fundação Calouste Gulbenkian em 1984. É um óleo s/ tela (80 x 65) “Retrato Clássico de Arlequim” de 1941.

Publicado no Diário de Coimbra de 3 de Março de 2006

Largas dezenas de actuações e quase três mil espectadores depois, inicia agora um périplo diversificado a peça “Eureka, uma viagem ao mundo da Física” da Associação Cultural “Encerrado para Obras”.
Esteve no Museu da Física, fez parte das comemorações do Ano Internacional daquele ramo da Ciência e teve consultores universitários que para a mesma forneceram sugestões e deram pareceres válidos.
Por ter um enredo tecido sem palavras e por conseguir manter atenta a sua assistência, geralmente infantil, durante praticamente uma hora, o comentário a seu respeito – que não é fácil – terá que ser, pelo menos, diferente.
Se a dificuldade do trabalho é óbvia pela eternidade que quase sessenta minutos representam para a solidão do único artista em palco, imagine o leitor a dedicação, o generoso interesse e a variedade de recursos expressivos que foi preciso pôr em marcha para fazer surgir do nada uma tal peça, ainda por cima sujeita a um tema tão difícil como o de revelar e tornar atraentes leis e fenómenos do mundo da Física.
David Cruz e Estela Lopes, com apoio de larga equipa de outros sonhadores, lançaram mãos à obra de investigar os mil e um processos simples e sugestivos que poderiam desaguar nesse mar de fronteiras desconhecidas que é o da imaginação liberta e palpitante de uma criança, tão aberto e, contudo, tão vário e tão difícil de navegar com rumo certo.
Contrariamente à generalidade das peças de teatro que têm um texto, uma história e respectivas personagens como esqueleto do que vai ser vivido pelo espectador, neste caso foi preciso descobrir tudo. Esse tudo não foi apenas conceber e construir todos os apetrechos, mecanismos e engenhocas que, meio utensílios de saltimbanco, meio engenharia de efeitos especiais, foram dando corpo ao universo de artifícios que preenchem o espectáculo.
O recinto onde decorre o mesmo é tornado arena de circo, terreiro de acrobacias, plataforma de ilusionista, rampa de lançamento de luzes e objectos voadores, palco musical ou várias outras coisas de que me não lembro já!…
David faz isso com vocação de artista criador, com veia musical e com leveza de acrobata (que chega a correr alguns perigos…) mas, sobretudo, com o sentido de invenção que só uma enorme ternura e uma larga memória do universo dos espectáculos singelos podem justificar.

Uma passagem breve para o paraíso da infância

Há outra coisa muito importante na delicada atitude romântica que anima toda a sua actuação: numa época saturada de espectacularidades vividas em recintos enormes e recheados de artifício, David viaja para o mundo misterioso da Física levando os seus espectadores, por assim dizer, pela mão, tratando com eles à distância de um gesto, de um passe de bola ou de uma carícia.
Os adolescentes resistem mais ao convite que uma tal mensagem comporta. A sua mente começa a estar na dependência do choque de sofisticações que só a “high-tech” prodigaliza na esquizofrénica abundância dos “megabytes” ou no ribombar ensurdecedor dos “megawatts”.
É por isso que é importante que este espectáculo seja visto por muitas crianças, aquelas cuja mente está ainda a tempo de poder assimilar esse gesto simples e ingénuo que pode ter estado ao longo de séculos ao serviço da curiosa surpresa que anima a alma ao mesmo tempo que a comove.
Um sorriso simples e franco que não necessita para se enternecer que o sangue corra, ou um olhar de inusitado espanto que se desata sem ter de ouvir com medo, ao longe, o ribombar dos canhões.
Aos adultos que tenham a oportunidade feliz de assistir à peça, sugiro por todas as razões que o façam, não só pelas qualidades acima enunciadas, mas também por ser um reencontro, uma viagem no tempo, uma passagem breve para o paraíso da infância.

A publicação destas crónicas tem tentado preencher uma certa escassez de opinião no domínio das artes plásticas, chamando a atenção para uma área de interesses que é geralmente remetida para uma zona muito pouco iluminada do espectro da comunicação social.

A ilustração deste “post” reproduz um trabalho de minha autoria, e é uma pequena “gratificação visual” para aqueles que tiverem a gentileza de aqui entrar.

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vista parcial do desdobrável que apresenta o Museu da Física (Universidade de Coimbra)

Publicado no Diário de Coimbra de 25 de Janeiro de 2006

No Museu da Física da Faculdade de Ciências da Universidade de Coimbra tem estado patente ao público uma excelente exposição assim inspiradamente designada por Alexandre Ramires, com toda a experiência e conhecimento que lhe são reconhecidos no domínio da história da fotografia e da utilização das imagens.
Traz-nos documentos de preciosa e pitoresca referência ao imenso dealbar da photographia, perdão, da fotografia, e que estimulam a apreciação do novo relacionamento com as imagens que a nossa civilização tem empreendido.
No painel de entrada encontra-se a ampliação dum daguerreótipo executado há mais de 150 anos com uma visão de Santa Clara tal como era naquela remota primeira metade do século XIX.
Chamei-lhe não “um documento” ou “um aspecto”, mas “uma visão” de Santa Clara. É que entre o objecto histórico que trouxe a imagem até aos nossos dias e a sua ampliação a uma escala impensável para os seus contemporâneos, interpôs-se o processo inteligente da sua “escolha” como referencial, autêntica “figura de convite”, preâmbulo ou desafio de quem entrasse para ver.
Por acasos técnicos inerentes à sua antiguidade, uma espécie de cortina ondulante avança sobre a larga paisagem do lado esquerdo e há zonas de erosão em seu redor que lançam sobre o conjunto uma inquietante sensação de mutabilidade. Uma mais demorada reflexão permite pensar numa abertura para a indeterminação ou interferência da subjectividade…
O que significa que tudo o que a exposição documenta, acrescentado por tudo aquilo que entretanto se passou e abre para um futuro sem margens, resulta sempre da qualidade das opções que são feitas, perante cada caso concreto, dos meios que surgem ao nosso alcance.
Alexandre Ramires, ao ter escolhido aquela “photographia” e não outra, efectuou uma escolha para dar ideias, não apenas sobre a resultante de certos descobrimentos surpreendentes, mas do uso da visão para construir uma imagem de nós próprios na envolvente do mundo que nos cerca.

Almeida Garret, em pessoa!…

Entre daguerreótipos presentes há um que retrata Almeida Garret.
Confesso que sempre achei ingénuas e decepcionantes algumas das configurações idealizadas da figura deste expoente das nossas letras.
O invento de Daguerre fornece, apesar da sua antiguidade, resultados surpreendentemente eficazes de veracidade, como comprovam certas ampliações que delas é possível efectuar.
Olhar para Almeida Garret com toda a calidez dum rosto enigmático, mas fortemente expressivo, produziu-me uma emoção estranha e indescritível. A mesma que, ao tempo em que o invento ocorreu, assustou tanta e tanta gente que preferia não olhar essas estranhas imagens que, dir-se-ia, transportavam no brilho do olhar a própria vivacidade da alma.
Para além dos documentos que comprovam a celeridade com que a Universidade de Coimbra (única ao tempo em todo o nosso território) reconheceu e divulgou as novas descobertas, a mostra efectua uma contextualização cultural atendendo a antecedentes e consequentes, algo sugestivo do que se chama a “adesão às novas tecnologias”, variante da abertura a tudo o que é novo, mas sabendo escolher entre o que é interessante e produtivo e o que é supérfluo ou de falso efeito.

O lixo visual e o aviltamento dos imaginários

Depois do encontro com a lanterna mágica, com o microscópio de projecção, com as câmaras e vistas ópticas, a estereoscopia, a câmara obscura e a câmara lúcida; depois de aflorar o universo de certas palavras mágicas, os calótipos e papéis salgados, o colódio e as albuminas, as “mouse trap” de Fox Talbot; depois de rememorar nomes de insignes agentes de cultura – alguns injustamente esquecidos – como Antonino Vidal, Joaquim Augusto Simões de Carvalho, Joaquim Possidónio Narciso da Silva, o visitante será impelido a questionar a abundância sem limites de imagens nos dias de hoje e as opções a fazer perante a oferta devastadora que tem ao seu alcance.
Será que conseguimos fugir de forma eficaz à trivialização da imagem do mundo, evitando o empobrecimento ou até aviltamento do nosso próprio imaginário?
Saio da exposição já tarde escura, entro num luxuoso (mas atrasado) autocarro munido de écran que despeja imagens promocionais surtidas de “spas”, “health resorts” e “trainning centers” por sobre uma multidão sisuda de cidadãos ansiosos de chegar algures.
Passo ainda pela fachada da catedral futebolística da cidade, agora com a sua “óvnica” arquitectura cada vez mais submersa por estridentes painéis publicitários com centenas de metros quadrados de imagens sem nexo ou cabimento estético-urbanístico.
Recordo o que me disse Alexandre Ramires a respeito da preservação da memória e da invasão, sem lei nem gosto, do lixo visual.
Oh, como adoece o horizonte entre bosques queimados e anúncios de coisas vãs!…
Oh, que falta sinto de um cidade capaz de acolher hospitaleiramente o meu olhar, sem a buzina esquizofrénica das coisas que não preciso e a beleza artificial dos estereótipos sem alma!…

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Trabalhos de Betty Woodman presentes na exposição no MNA, “Vista de uma janela no Verão”, jarras divididas, faiança vidrada, resinas epóxidas, laca e tinta; 103x98x26 cm

publicado no Diário de Coimbra no dia 9 de Janeiro de 2006

Julgo que uma das tarefas mais difíceis para o cidadão dos dias de hoje é a de procurar libertar-se das fatalidades mercantilistas e mediáticas que nos “oferece” a sociedade.
Inicialmente destinadas a tornar fácil, aprazível e, se possível, requintada “a qualidade de vida”, certas encenações parecem-me, cada vez mais, rituais monótonos e completamente anestésicos da consciência activa, seja o que for que assim procure designar-se, com a única virtude aparente de constituírem “bons negócios”.
O Natal e o fim de ano são um período ideal para exercitar o direito, ou melhor, o privilégio, de “fazer outra coisa”, de “não ir por ali”, não tendo de nos sentirmos frustrados por não haver absolutamente nada que comemorar.

Sintra, para ver algumas coisas raras

Sintra está visto. Mas muitos do que falam assim nunca foram ao Parque de Monserrate, passeando calmamente através da humidade preciosa que alimenta fetos, cascatas, árvores assombrosas e o antiquíssimo relvado, de forma a estarmos ali como num cenário de outro mundo. O palácio em si, contrariamente ao que nos afirmam folhetos e oficiais de turismo aparentemente muito conhecedores, não é visitável. Mas esse é apenas um de não poucos disparates a que terá de habituar-se o visitante do nosso património artístico e cultural.
Poucos metros à frente, a Quinta da Regaleira, em cenário fantasioso oferece a ressonância dúbia de secretas e ocultas mitologias, essas nada menos que exóticas.
No Sintra Museu de Arte Moderna (por quanto tempo ainda museu, e por quanto tempo ainda de arte moderna?) encontra-se uma magnífica exposição (Fernando Lemos e o Surrealismo) que efectua o cruzamento muitíssimo bem documentado da obra daquele grande artista com um conjunto riquíssimo de obras do referido movimento que pertencem à colecção Berardo. Apoiada por um excelente catálogo de preço moderado, proporciona uma longa e proveitosa visita, através não apenas de salas espaçosas e abundantemente preenchidas, mas também de uma época e de um tempo cujas implicações e potencialidades culturais e estéticas se encontram bem longe de estar prontas para a ultrapassagem da indiferença ou para a heresia da insensibilidade. Para ver até 30 de Abril.

A planície de Setúbal e os seus inesgotáveis horizontes

E a península de Setúbal, também está visto? Por mais que se regresse e sempre que se explore, concluir-se-á o contrário.
À Quinta da Bacalhôa, em Vila Fresca de Azeitão, acontece um pouco o mesmo que ao Palácio de Monserrate. Está tudo muito bem explicado num folhetozinho raro, que é preciso marcar visita com 24 horas de antecedência, mas se não fosse a gentileza tolerante de quem toma conta, bem tínhamos dado com o nariz na porta. Valeu-nos na canseira de andar à procura da visita um restaurante mesmo ao lado que não deixa ficar por mãos alheias a hospitalidade gastronómica dos povos da região, o belo vinho e a simpatia do acolhimento.
Do cimo do castelo de Palmela vê-se quase todo o mundo, incluindo terra, mar e céu. E também se vê Setúbal, que é para lá que vamos deixando atrás uma riqueza imensa de monumentos, igrejas preciosas recheadas de painéis de azulejos, paredes de branco ancoradas na terra plana do que já é, sem equívocos, terra alentejana.
Numa casa minha conhecida, o antigo edifício do Banco de Portugal, espera-me outro momento de entusiástico requinte: a exposição “Descobrir o Japão, de S. Francisco Xavier a Wenceslau de Morais” contém, além de outras coisas, um conjunto de estampas japonesas da colecção de Manuel Duarte Paias, apresentado como “o armário milagroso” de Wenceslau.
Tais gravuras (Ukiyo-e, expressão japonesa que significa “imagens do mundo flutuante”) terão, segundo alguns, origens numa visão budista da vida, e são certamente imagens do mundo que passa ou cenas da vida corrente em visão mais vulgarizada.
O que lhes não falta contudo é uma inenarrável beleza, manifesto inesgotável e transbordante da observação penetrante e sublime duma cultura distante e distinta, saturado duma aplicação ao trabalho estético que empolga e inspira. Mostra patente até 28 de Janeiro.

O Museu do Azulejo, mais uma vez, porque não cansa

Os azulejos reflectem, à nossa medida e de acordo com o sentido criador da nossa sociedade, imagens dum certo nosso “mundo flutuante”, com tudo o que a expressão possa carrear consigo de leveza poética. Não tão estrenuamente disciplinada, tantas vezes decadente e até vilipendiada, é essa a nossa versão das coisas e não adianta chorar.
Para além dos trabalhos de história, conservação e restauro já patentes em Lisboa na Igreja da Madre de Deus, muito bem documentados num livro que podia comprar-se em Dezembro com desconto especial, no Museu é possível ver-se ainda até 2 de Abril uma excelente exposição da artista americana Betty Woodman que, por si só, mereceria uma outra crónica por inteiro.
A mostra, muito poderosamente patrocinada, parece-me no entanto sofrer do mal de muitas coisas belas e excelentes que existem neste nosso precioso rectângulo: muito se fala da parra seca e muito pouco se diz da uva sumarenta.
É por essas e por outras que eu passei o ano em boa companhia, comentando com regalo a leveza poética do “Cirque du Soleil” que deu no segundo canal, evitando a selecta carraspana dum qualquer caro “réveillon” de requintes duvidosos e vinho espumoso fora do prazo de validade, já para não falar na miserável programação televisiva dos solitários, dos pobres e dos esquecidos que só vêem os canais da “grande” audiência político-futebolística.

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capa da exposição referida, AERSET – Edif B. de Portugal, Setúbal

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publicado no Diário de Coimbra no dia 12 de Dezembro de 2005

As minhas visitas à Casa Municipal da Cultura são geralmente complementadas com uma descida das escadas que, pelas traseiras, conduzem à sede do CAPC, instituição cuja acção pertence à memória da cidade de forma indelével mas cuja presença aparece persistentemente nimbada por uma inexplicável cortina de alheamento.
Não faz parte do intuito que anima estas “conversas” o propósito (ou a menor possibilidade) de registar de forma ainda que sumária a importância histórica do CAPC.
Se forem observados os percursos curriculares de uma notável quantidade de artistas de respeitável projecção, é seguro terem registado uma presença nas galerias do CAPC, havendo ainda uma inteira geração de artistas que passaram por Coimbra cuja aprendizagem oficinal teve lugar naquela que foi uma academia aberta aos mais variados horizontes da criatividade e do interesse pelas artes plásticas.

Túlia Saldanha, uma presença inesquecível

No dealbar dos anos setenta, quando cheguei a Coimbra, o CAPC era ainda procurado por interessados praticantes que aqui vinham propositadamente frequentar os seus ateliers, sendo dignificante em futuras carreiras artísticas a menção desse facto nos curricula respectivos.
Datam dessa década e da seguinte as visitas que ali fui fazendo, sendo para mim do maior significado a excelente convivência artística e cultural que pude travar nas antigas dependências da Rua Castro Matoso com artistas como Túlia Saldanha e Inês Paulino, para citar apenas dois nomes distintos.
O período seguinte foi caracterizado por convulsões e acontecimentos do mais variado teor que evidenciaram o Círculo como centro de realizações, debates, encontros, participações activas, sessões de divulgação, confronto de atitudes, etc.
As mudanças registadas, no percurso das quais o infausto desaparecimento de Túlia Saldanha não deixou de ser um notável ponto de viragem, associaram-se ao montante geral de transformações da própria sociedade, apagando de forma duradoura aquilo que fora e não mais voltou a ser.
Até aí ligado ao convívio artístico e à aprendizagem e divulgação oficinal das artes com carácter plural e de acentuada modernidade, o CAPC situou-se a partir de então no horizonte da “emergência” da arte contemporânea, numa tendência conceptual que acentuou a “desmaterialização” da arte e o isolamento progressivo da instituição, tendo alguns dos seus mentores mais avançados – o que não deixa de ser curioso – liderado a eclosão do que hoje é um importante núcleo universitário privado do ensino de Belas Artes.
A presença do CAPC na agenda de acontecimentos da cidade tem sido regular e coerente, o novo espaço que lhe foi há anos confiado pela autarquia é de concepção arquitectonicamente qualificada, dispõe duma interessante biblioteca, um raro escaparate de publicações sobre arte e as realizações que ali são levadas a cabo evidenciam um inequívoco aprumo de forma, com elementos de apoio e documentação da maior qualidade gráfica.
O conjunto de tais razões não permite, pois, que nenhuma pessoa interessada pelo fenómeno artístico possa ignorar o CAPC, sendo para mim desconfortável registar uma elevada taxa de desconhecimento sempre e cada vez que menciono o historial e a actividade do mesmo a pessoas do clima coimbrão.

A exposição de Gabriela Albergaria, “mouvement instability conflito”

A exposição que decorre ainda é ensejo para uma visita que deverá ser muito atenta e abundantemente apoiada na leitura dos materiais de apoio fornecidos.
Todo o vasto percurso da artista e o elenco de intencionalidades veiculado pelos dois projectos “site specific” no Jardim da Sereia escaparão ao visitante casual que se arrisca a conceber como nuclear a ideia de “exposição de desenhos e fotografias”, com tudo o que a mesma transmite, aliás, com invulgar sentido de qualidade estético-decorativa.
Será porventura nessa disfunção ou afastamento entre a volumetria do que é proposto e o conteúdo real do que é mostrado que haveremos de situar algum desentendido alheamento dos públicos relativamente a esta como a outras realizações do CAPC, geralmente afectadas pela dificuldade de leitura que nos oferece a arte contemporânea, no contexto de características próprias já anteriormente abordado nesta coluna.
A esta realização não falta porém, desta vez, um elucidativo texto (da autoria de Mark Gisbourne) que nem é exageradamente conceptual ou de gongórica redacção (o que é frequente em acontecimentos de arte contemporânea) nem carece de abertura perante duras realidades (o que é raro nesse mesmo contexto), neste caso, da tragédia dos fogos em Portugal.
Por parte da obra aqui apresentada pela autora não se torna explícito esse nível de preocupações, assinalando o texto referido um intencionado minimalismo deliberadamente afastado de propósitos didácticos, outra marca da contemporaneidade, “sem qualquer ensinamento ou pregação em relação aos danos que presentemente provocamos na natureza”.
Mark Gisbourne prossegue esclarecendo que “…as pessoas não são forçadas a ouvir mas são levadas a pensar…” e eu limito-me a fazer votos de que assim seja, já não digo em proveito de todas as florestas portuguesas, mas pelo menos para bem duma insulada e decadente zona verde chamada Jardim da Sereia, de tão lindo nome e de tão desvalorizada utilidade urbana, tão ameaçada pelo desleixo da incultura como pelos vendavais do nosso descontentamento.

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publicado no Diário de Coimbra no dia 4 de Dezembro de 2005

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Não é a primeira vez que me refiro a iniciativas que têm lugar na Figueira da Foz, em Cantanhede e até em Aveiro, tendo recolhido nota do interesse e da curiosidade de bom número de leitores. Encontro-me aliás em falta com o comentário de duas realizações notáveis ao alcance de poucos Km. Refiro-me à exposição “A nova vida das Imagens” patente no antigo edifício do Banco de Portugal em Leiria e à recentemente instalada e muito valiosa colecção de José-Augusto França, em Tomar.
O aproveitamento de tais horizontes poderia estar organizado pelas próprias instituições, municipais ou de outra natureza, mas a “falta de meios” (ou coisa que os valha) e o acentuado espírito paroquial erguem cortinas pesadas onde poderia haver janelas bem abertas. Quanto às agências de viagem e ao turismo organizado, isso é para destinos mais “exóticos”, naturalmente.

A elegância fenecente do Paço de Maiorca

Viajando na estrada velha por aquela recta das pontes em arco que às vezes se enche de água de um lado e de outro, acabo por descobrir em Maiorca uma pequena praça ornada de velhos candeeiros de ferro pintados de verde como os que havia por todas as cidades quando eu era pequeno. De um dos lados ergue-se com imensa dignidade e elegância o Paço de Maiorca, que um site na Internet me havia garantido ser visitável, com preços de entrada, horários e tudo.
Mas qual quê! O monumento está para ali à sombra das memórias do seu passado glorioso, encerrando em segredo tesouros de notável valor patrimonial (painéis de azulejos, papéis chineses pintados “et alia”) revelando, detrás dos muros, jardins interiores entregues ao descuido espontâneo da natureza.
Há bem poucos anos frequentado por distintas personagens dignas de história e detentoras de fortuna, encontra-se agora pendente das indeterminações inexplicáveis dum país ensarilhado por “deficits” abissais, que poupa tanto no farelo que se dá ao luxo de estragar na farinha!

O artista Filinto Viana junto de um trabalho seu

Filinto Viana, um artista sem atelier

Já na Figueira da Foz encontro o meu amigo Filinto Viana, digníssimo artista e pintor profissional a braços com o problema temporário, que terá de resolver por si mesmo, de não dispor de atelier. Os artistas são como os palácios de secreta memória, penso eu, abandonados à sorte do seu labor, sem contar com providências porque não há donde elas venham.
Como é que uma sociedade se permite ao luxo de ter um artista destes sem o recurso elementar dum local para produzir o seu trabalho? Pelos vistos muito bem, exactamente da mesma forma que negligencia o seu património e o deixa mergulhar na óbito da inutilidade.

A galeria “O Rastro”

Passo com Filinto pela galeria de Beja da Silva, onde esperam o visitante uma enorme quantidade de obras espalhadas por três pisos, que tive o privilégio de visitar contando com a companhia e com a cumplicidade do artista que sabe ver, que sente a pintura como um fenómeno tão natural como a sua própria respiração e com quem troco considerandos sensibilizados e libertos de preconceitos.
Ver a pintura de Filinto Viana, que está sem atelier, fica para outra vez. Vou até Buarcos pagar uma promessa de visita à exposição de Fernando Campos que se encontra na MAGENTA – Associação dos Artistas pela Arte, casa onde se pressente a vibração de interesses artísticos humanizados, longe do luxo envernizado das instituições de poder.

“A Batalha de Huambo”, de Fernando Campos, 1993.2

Fernando Campos na Magenta

Fernando Campos, além de outras experiências de pesquisa estética na área da escultura (“Achados”) apresenta o mesmo tipo de trabalho desenhístico que esteve patente numa interessante exposição colectiva de artistas da Figueira, mostrada recentemente na Casa Municipal da Cultura em Coimbra, cujos visitantes lamentavam a falta do elementar amparo de um catálogo com documentação adequada a respeito de obras e de seus autores.
O traço a carvão do artista solta-se de modo espontâneo em busca da forma desejada, sem a preocupação de ocultar alguns dos gestos estruturantes da ideia, o que confere ao “risco” das figuras que encontra, uma “vibração” ou um “movimento” que as torna por vezes imponderáveis. Figuras essas, aliás, frequentemente marcadas pela estranheza de reduções e acentuações de perfil, o que as coloca entre o misterioso e o inquietante.
As fisionomias, os membros, as máscaras e todo o conjunto de símbolos aparecem reforçados por tonalidades cromáticas diluídas, mescladas e expressivamente compostas, condizentes com o universo de conteúdos que gira em torno de preocupações culturais e humanas de respeitável densidade.
A exposição resume-se a um número não muito abundante de obras de Fernando Campos, artista de largo e variado percurso, recheado de episódios significativos de valor estético. Fica prometida outra visita, portanto, que permita documentar melhor uma obra que evidencia uma abundante percepção da cultura artística dos nossos dias, no que ela tem de fenómeno plural, problemático e estimulante.

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publicado no Diário de Coimbra no dia 2 de Dezembro de 2005

É muito belo que a raridade das excepções possa apanhar-nos desprevenidos de quando em vez, demonstrando que o imprevisto, aquilo que a sociedade já dera como improvável ou sem nexo, possa acontecer, com toda a naturalidade das coisas sublimes.
É inspirador visitar um artista genuíno, divagar com um poeta inspirado, tomar nota das palavras ditas e dos horizontes revelados, abrindo à luz a flor do pensamento.
Mas verdadeiramente invulgar é que isso possa acontecer sem ter de usar artifícios de linguagens, complexidades ou convencionalismos duvidosos.
É excepcional por exemplo visitar uma pintora de talento raro e verificar, com quanta candura despretenciosa, continua a mostrar na sala quadros de pintores certificadamente valiosos pelo conceito social, guardando num quartinho pequeno de arrumações outras obras suas, de muito mais mérito e originalidade, de muito mais intensa frescura criativa.

“Primum vivere, deinde filosofare”

Não é meu intuito ocupar-vos com frases providenciais de Aristóteles, apenas quero lembrar o privilégio que é poder abrir asas e voar, depois de se terem transposto com elegância e poder, todos os desafios fundamentais da vida.
Alcina Marques de Almeida é profundamente pessoa ao mesmo tempo que se descobre a si mesma como talentosa artista, cujo pensamento flui em cada gesto, exprimindo-se com elegância e gosto em praticamente tudo o que faz.
Uma artista que expõe quadros que são para mim como percepções poético-filosóficas ou sínteses minimalistas do mais evoluído esteticismo, prontifica-se a revelar sem temor todos os segredos cruciais da sua destreza oficinal, o local onde pinta, as técnicas e as tecnologias utilizadas.
E dá-nos a ver uma exposição inteira, tendo deixado em casa uma rectaguarda de experiências cheias de novidade genuína, passando com naturalidade por cima de todas as preocupações de caracterização estilística, indexação de influências, fixação de padrões de referenciação teórica ou qualquer outra necessidade de tornar complexo o que é intuitivo, intrincado o que é cristalino.
É isso que a torna diferente e é esse facto que me restitui toda a esperança no conceito por vezes excessivo e artificial da arte como situação organizada, do meio cultural como intrincado de relações, e da inteligência sensível como refém de categorizações excessivas.

Poética e transcendência do que é simples, mas não é “fácil”

A exposição que nos apresenta na Casa Municipal da Cultura é constituída por um número assinalável de telas, organizáveis por grupos bem caracterizados de exploração plástica, coerentes na economia de processos, no pluralismo de abordagens e na escolha criteriosa das melhores soluções.
Na galeria do jardim podemos ver um conjunto de experiências dispersas, indicativas duma liberdade desejável para todo o artista ou registo de etapas vencidas, no desejo incontido de descoberta que o olhar atento vai colocando em reserva de contemplação activa.
Na sala principal foi eleito o conjunto mais forte, porventura aquele que agrupa os trabalhos mais recentes e com maior coesão estética.
A sua execução é marcada pela intuição liberta de preconceitos, sendo evidente uma extrema simplicidade de processos que conta com a energia estático-dinâmica da matéria da pintura e a sua confluência em zonas de diluição expressiva, escorrências, drippings e outros processos de execução automática que possuem toda a legitimidade. O aproveitamento de vestígios do suporte ou de “perfurações” do tecido cromático produzem o mais surpreendente efeito de afundamento das manchas de cor numa complexidade de planos remotos, nos quais o recortado daqueles vestígios chega a sugerir o que quisermos numa visão de mistérios insondáveis.
Os trabalhos de mais acentuada economia de sinais atingem um notável sentido de sublimação da pintura, o que não significa de modo algum – tal como a referida simplicidade de processos – o empobrecimento ou despojamento dos conteúdos estéticos, antes contribuem para a sua excelência.
Valerá de muito pouco apontar paralelos de afinidade estilística, embora isso seja um exercício de requinte intelectual. A pintora, cuja fluência produtiva é duma surpreendente abundância, desmentirá que tenha agido em obediência a influências tutelares, concorrendo o próprio despojamento de apresentação das telas, que nada mostram para além da superfície pintada, para reforçar o sentido da essencialidade defendido pela artista.
Essa circunstância é tão profunda em Alcina Marques de Almeida que começo por conversar com ela em áreas de razão cultural e acabo falando a respeito dos netos, ou seja, começamos por elaborar sobre conceitos abstractos e distantes e acabamos por nos fixar no essencial da vida, naquilo que tem de mais consanguineamente encadeado aos enlevos do presente e aos magníficos e imponderáveis sonhos do futuro.
O desdobrável que apoia a mostra é duma precária modéstia, o que demonstra que os caminhos trilhados pela cultura institucional conduzem a uma progressiva descaracterização dos seus actos.
Poupar na cultura, na arte e nos artistas, será essa realmente a solução para debelar os deficites catastróficos?

publicado no Diário de Coimbra no dia 04 de Novembro de 2005

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Tenho à minha frente três convites endereçados durante o mês de Outubro para outros tantos e diferentíssimos acontecimentos de arte contemporânea.
Reservando um deles para tratamento ulterior, por especialmente significativo (inauguração da Galeria Sete), considero hoje a exposição “e = mc2 Representações da ciência na arte contemporânea”, patente no Colégio das Artes e uma, a meu ver, mal designada exposição de “pintura contemporânea”, que tem lugar na Casa Municipal da Cultura.
Sem desconsideração por alguns dos trabalhos ou pelos artistas expostos, venho alertar para uma questão que já não deveria ter lugar em parte nenhuma: o equívoco de ser tomado à letra o termo “arte contemporânea”, fora da categorização crítico-histórica respectiva, por muito conveniente que isso possa ser promocionalmente.

Exposições de arte sim, “pendurações” de quadros não!…

O evento, sabemo-lo por ter lido no convite, deve-se ao apoio de uma galeria de arte. Tendo esse facto toda a legitimidade, não exime de responsabilidades a entidade cultural pública, que deve garantir para cada realização um nível de coerência programática, aqui revelada como inteiramente inexistente. Aos olhos do visitante ressalta o anonimato da realização, carente de catálogo ou outro apoio de carácter documental.
As obras expostas não constroem um conjunto equilibrado, são duma assimetria estética evidente, situando-se na sub-cave dum entendimento amadorístico de “promoção cultural”, em nada alinháveis com a ideia de arte contemporânea, até pelo facto de se apresentarem doméstica e maioritariamente sujeitas ao “compromisso” da moldura.
Saio da Casa Municipal da Cultura e dirijo-me, escadas monumentais acima, para mais perto das nuvens, entrando no largo claustro do Colégio das Artes ornado de peças de arqueologia industrial e azulejos que acusa, em toda a dignidade das suas proporções, aquela negligenciada decadência de tanto do nosso património.
Ali sim, não há dúvidas, estamos perante uma exposição de arte contemporânea que, não menos que a ciência, é um domínio de interesses afastado da vulgaridade; facto que nos oferece, sem surpresa, uma convergência intrincada de leituras, com catálogo da mostra anunciado lá para o fim da mesma.
Se tal edição interessa sobretudo às entidades promotoras e aos artistas, para efeito de auto-representação, o facto não deixa de sinalizar o desinteresse pelas audiências e a dispensa de comunicabilidade atribuídos à arte contemporânea, que opta por um público restrito ao qual requer uma peculiaridade específica de atitude. Donde o conceito de “obra aberta” defendido (há mais de quarenta anos…) por Umberto Eco, segundo o qual a mesma pode ser considerada como uma “metáfora epistemológica” e a sua interpretação uma interacção comunicativa entre artista e destinatário.

Todo o mundo é composto de mudança

A arte contemporânea propõe uma radical mudança de atitude cuja matriz vem das primeiras décadas do século passado (Dada e Marcel Duchamp) e se corporizou no decurso dos anos 60.
Nada tem a ver com a tradicional produção de “objectos estéticos” que procuram fixar o olhar reverente mediante “representações” afinadas por primores do “saber fazer”.
No ritualismo da “performance” situa-se um dos momentos essenciais duma procurada “desmaterialização” da arte, na qual o artista e o seu gesto se substituem à obra, no palco duma luta utópica “para regenerar a existência”.
A arte contemporânea tem vindo a afirmar-se durante as ultimas quatro décadas junto dos principais centros de decisão e promoção das artes. É conhecida como expressão do ideário pós-moderno, coincide com a era da globalização, com a apropriação duma forte componente tecnológica (arte-vídeo, arte-informática, etc.) e não menos reflecte os posicionamentos das políticas neo-liberais.
Uma afirmação tão categórica não tem sucedido sem polémicas, algumas de histórico e contundente efeito. Quem permanece atento é bem conhecedor desses factos, apenas algumas almas simples parecem incólumes ao decorrer de tão acidentados percursos…
Aliás, como qualquer outro movimento artístico-intelectual, tem os seus pontos fortes, os seus pontos fracos e os seus “pontos zero”!
Muito embora os curricula de alguns intervenientes que conquistam a certificação de artistas contemporâneos estejam recheados de referências notáveis, o que só uma conveniente inserção estratégica pode garantir, também aqui se nota a raridade de ideias genuínas e a super abundância de repetições e falsificações, algumas a evidenciar a auto-suficiência de um novo e fatalmente ultrapassável academismo, ao qual nem sequer falta, como já vimos, uma apreciável antiguidade.

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Obra de António Palolo exposta na Fª da Foz; Acrílico s/ tela, “Sem Título”, 100 x 180 cm

publicado no Diário de Coimbra no dia 21 de Outubro de 2005

Tendo visto anunciados os dois acontecimentos constituídos a partir de obras pertencentes às colecções de Serralves, uma no Pavilhão Centro de Portugal e outra no Centro de Artes e Espectáculos, nada mais natural ter pensado que valeria a pena visitar ambos, lamentando que as duas exposições não sejam motivo de apreciação conjunta de pessoas que pudessem tecer a seu respeito um interessado debate.
Em torno das designações de “arte moderna” e “arte contemporânea” florescem os equívocos, prevalecendo a utilização subjectiva e oportunista de uma e de outra, não desejando ninguém ficar de fora no momento de se reivindicar como apreciador e adepto de qualquer delas.
O século XX foi caracterizado por uma aceleração tremenda dos acontecimentos em todas as áreas, e julgo que não houve ainda tempo para dominarmos uma imensidade de aquisições riquíssimas que já vão sendo, com demasiada precipitação, lançadas para zonas de sombra da apreciação colectiva.

Em Coimbra, arte pobre

A mostra assim designada patente em Coimbra parece representar, para a época trepidante e já “remota” a que se reporta, uma espécie de reverso da medalha duma cavalgada ofegante e contraditória de realidades artísticas e sócio-culturais de certo tipo, gesto de actores insatisfeitos no palco da representação artística ou invulgar processo de contestação do “establishment”.
Será aquilo arte? Se nós quisermos, será, pois claro.
E se eu for buscar ali ao ferro velho uma cama enferrujada, e lhe puser em cima uma trouxa de trapos velhos, também posso dizer que são arte?
Aí o caso complica-se. Porque aquela cama de ferro velho que está no Pavilhão do Centro de Portugal não é uma qualquer. Eu não sou grego, nem me chamo Kounellis, nem tive a ideia antes, nem estava lá perto de quem pôde dizer com a autoridade crítica, um alto comissário talvez, que aquilo era arte e que viria parar a Serralves!…
A contestação, se o foi, acabou por resultar com todo o êxito, dado que acabou por ser “assimilada”, e de que maneira, pelo mesmíssimo “establishment”.
Não quero evocar com detalhes a circunstância de a minha cama de ferro velho ter um valor patrimonial zero, face ao “valioso” espécimen de Kounellis. Dessas coisas de dinheiros, em artes, não se fala porque parece mal, ainda que sejamos nós a pagar, como é o caso de uma colecção pública e fortemente subsidiada.
Levantar questões destas é para quem quiser pensar pela própria cabeça e nenhum jovem licenciado em humanidades à procura de emprego em instituições culturais deverá assumir tal risco.
A menos que esteja bem preparado para responder àquela questão que às vezes é feita nas entrevistas de contratação, depois de apresentado o “curriculum”:
– E além disso, você conhece “alguém”?

Na Figueira da Foz, o Plano atravessado

A mostra que é apresentada na Figueira da Foz é totalmente diferente. Ali já podemos pressupor o vulto do artista no espaço oficinal respectivo, muitos frascos com tinta e a floresta de pincéis no chão ou sobre a mesa.
Os quadros, ou pinturas, ou objectos, são igualmente desafiadores do conceito tradicional ou académico. Existem, no entanto, os mais evidentes sinais de um “exercício excelente” da produção de peças únicas ou seja, da “materialização” do objecto estético.
O evento goza do esplêndido conforto do edifício em que se encontra, e nem lhe falta um razoável catálogo que está à venda na livraria residente.

Em França, o centro do mundo e os novos (velhos) academismos

O comentário adequado destes acontecimentos teria de passar fatalmente pela citação de uma inesgotável quantidade de posições e polémicas oriundas, “et pour cause”, de Paris de França, pelo menos. É pena não haver espaço para tal, pela abundância de argumentos que se tem acumulado em torno da discussão crítica da questão.
Limito-me a referir a importância crescente e tentacularmente exclusivista que a afirmação da “arte contemporânea” tem tido entre nós, nos últimos anos, averbando os principais gestos de investimento e promoção pública das artes.
Uma maioria dos mais dignos e recentes espaços culturais está-lhe dedicada, o que não se passa, “mutatis mutandis”, de forma tão depreciativa para o pluralismo e variedade de perspectivas em Madrids, Parises e outros “centros do mundo”!…
Ou seja, uma sociedade que passou pela vastíssima modernidade de olhos baixos, como a nossa, parece disposta a render-se à contemporaneidade, sem saber de facto o que quer dizer uma e outra coisa.
Valerá a pena referir que algumas das ideias e princípios directores da arte “contemporânea” já datam de há quase um século, o que lhe retira de forma absoluta o odor de novidade e lhe acentua a semelhança com os persistentes academismos de outras épocas, que o tempo foi varrendo, ao fim e ao cabo.
Serralves em Coimbra e na Figueira da Foz, a não perder!…

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publicado no Diário de Coimbra no dia 01 de Outubro de 2005

Telo de Morais entregou-me o seu livro às portas dum Verão alucinante e eu juntei-o à bagagem confusa duma saída para dentro, simulacro de férias que nunca são, pretexto de evasões inconsequentes e breves.
Por sobre os textos da obra fiz, como tantas vezes acontece, um voo rasante à máxima velocidade dos motores da curiosidade e da surpresa.
Ficou-me uma primeira página do prefácio de Rocha de Sousa, encadeado de conceitos que apontam em todas as direcções do encanto e da razão dos sentidos, no múltiplo significado que a palavra tem.
Em Rocha de Sousa cada frase é como o obturador vertiginoso que abre sucessivos planos sem dar tempo a um para que se fixe o outro, gerando a totalidade de impressões uma fecundidade intertextual que convida à reflexão, e ilumina o mundo de policromias sem margens.
Ficaram-me depois a sucessão de intervalos fotográficos que a obra apresenta, sugestão de dramatismos celestes, “retratos de céu” que sugerem um instante suspenso, algures, entre a plenitude da tarde e o segredo de horizontes inquietantes, embalados de negro.
Por fim as trinta visitações da sempre inacabada paleta, resultantes dum pluralismo de gosto sem preconceitos e duma memória sem fronteiras que convidam à análise, linha por linha, dos referenciais vividos e das sensações participadas.
O livro de Telo de Morais fornece, nesse sentido, não uma legenda explicativa, um amparo caracterizador ou itinerário do gosto. Cada texto é como que uma corda musical deixada a vibrar por ondas de choque da visão complexa de pinturas, desenhos, etc, e da teia de relações que tais objectos mantêm com a própria vida.
Os nomes, as referências factuais e de contexto serão, ao gosto e de acordo com as armas de cada um, pontos de partida ou de chegada, ancorados algures entre a visão crítica e a sensibilidade poética.
Ter assumido o risco de mencionar, junto de cada texto, o nome ao qual o mesmo diz respeito, remete para o carácter que a obra tem de referencial de uma forma de arte e de um tempo simultaneamente próximos e longínquos do nosso. Tempo nosso habitado por homens que se apressam, talvez precipitadamente, em colocar na prateleira do passado um imenso património semioculto e precioso.
A “Paleta Inacabada” de Telo de Morais vem precaver-nos contra o risco do esvaziamento e da ausência. Mas não é só por isso que continuo a lê-la, agora que se despede o Verão.

O Chiado com Torga e o Pavilhão de Portugal com Inês

O Museu do Chiado apresentou “Novos Olhares” que reuniu principalmente obras de artistas que cursaram a EUAC, no espaço concentrado de que a galeria dispõe.
Telo de Morais, no texto de catálogo, efectua um trabalho generoso e muito atento que pretendeu compatibilizar as obras expostas com o universo Torguiano, que alguns visitantes terão tido dificuldade em associar com o clima estético que a exposição propunha.
Julgo não ser essencial a concretização de tais associações, se cada uma das peças puder trazer-nos algo, mesmo que francamente alheio às vivências imediatas que a literatura de Torga sugere.
O mesmo risco não corre, por exemplo, a exposição que esteve patente no “Pavilhão Centro de Portugal”.
O tema eleito, “O nome que no peito escrito tinhas”, cingiu-se bem à teia de significados propostos pelas obras vistas sem perda de variedade e interesse das abordagens estéticas.
Já são várias as exposições de qualidade que vi naquele pavilhão e que beneficiam do luxo de espaço e luz natural indirecta que a notável peça arquitectónica proporciona.

Exposições colectivas e riscos inerentes

Certas exposições colectivas, sejam ou não de Verão, transportam consigo, por vezes, uma contradição esquisita que contraria uma das mais simples regras da matemática: a de que um conjunto é perfeitamente igual ao somatório das partes.
Há obras que se “desajudam” tanto umas às outras, que fazem com que “tirá-las” teria sido melhor do que “pô-las”, o que conduziria ao drama de haver mostras representando autênticos “conjuntos vazios”, o que não é de modo nenhum o caso vertente.
É certo que Ana Vidigal, Catarina Campino, Joana Vasconcelos e Rui Sanches por um lado e Costa Pinheiro, José de Guimarães e Pedro Proença por outro, não deixam de ser astros de galáxias muito distantes.
Mas as engrenagens alusivas que cada um elabora na perspectiva do tema permitem não somente uma viagem através do drama Inesiano, bem como propiciam localizar as coordenadas de evoluções plásticas e ideológicas bem colocadas no devir das artes visuais.
Nem todas as exposições têm, contudo, os meios que poderá ter tido esta, com tão altos patrocínios e com tão amplo terreno de escolha das obras a mostrar.
A Exposição reparte-se por dois conjuntos, patentes em Coimbra e Alcobaça, sendo desejável que se efectue uma rotação dos mesmos, sem o que ficará truncada a imagem que nos fica da totalidade do acontecimento. Aguardemos pois.

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obra de Júlio Resende exposta em Cantanhede; “Mulher e Tecidos”, pastel, 2000, 65 x 51 cm

publicado no Diário de Coimbra no dia 15 de Setembro de 2005

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Nada melhor que um pedaço de tarde com nuvens frescas abrindo clareiras no azul do céu, debaixo da larga copa de um monumental pinheiro manso para reentrar, neste fim de Verão, numa coisa de que afinal nunca havíamos saído: a alegria da arte e a essência incomparável da música.
A totalidade deste conjunto de sensações desenrolou-se no Jardim do Museu da Pedra e culminou a abertura de uma exposição de Júlio Resende inaugurada na Casa Municipal da Cultura, tudo em Cantanhede no dia 10 de Setembro último.
Para os amigos da pintura e da arte portuguesa ou seja, da arte universal, Júlio Resende é uma figura que se persegue em continuidade de interesse e prazer estético ao longo de toda uma longa vida produtiva. As memórias de episódios criativos são inumeráveis, e basta-me por agora mencionar o prazer que tenho tido em visitar o “Lugar do Desenho” em Gondomar, fundação que tem o nome do artista.
Instalada numa ladeira sobranceira ao Rio Douro é local cuja visitação recomendo sem reservas, por um variado conjunto de razões que não cabem no espaço desta crónica.

Promover a Arte com sentido de projecto

Há muitas formas de gerir meios de promoção cultural e artística. Poderá haver quem julgue que tudo vai dar no mesmo e o que é preciso “é boa vontade” e desejo de “apresentar serviço”.
Já tenho dito nesta coluna, de muitas e variadas formas, que não é indiferente o modo como tal trabalho é feito, não devendo confiar-se a acasos descontínuos o aproveitamento de conteúdos assimétricos, improvisando e facilitando formas de dar a ver, meios de apoio documental, etc.
Sem poder falar de todo o conjunto de iniciativas que têm lugar em Cantanhede, porque não tenho ido ali tão frequentemente quanto desejaria, devo contudo afirmar que, como várias outras, também as presentes realizações me dão a ideia de um labor estruturado com bom gosto evidenciando, além do mais, uma generosidade comunicativa e pedagógica que me parece ser ideal para um trabalho com vocação de futuro.

Um músico fala com olhos de quem também pinta

Virgílio Caseiro, que regeu a Orquestra Clássica do Centro no concerto que teve lugar, para prazer de todos, depois da inauguração da exposição, também visitou a pintura e repartiu impressões que lhe mereceram as obras expostas.
Falámos sorrindo da aparente simplicidade de algumas das peças, e daquela suposição absurda que muita gente assume: “olha, uma coisa destas, também eu fazia”…
A verdade das coisas, porém, não é assim tão simples. Nem a vastidão assustadora do suporte se preenche de levezas subtis sem que a mão do artista esteja animada de gestos com asas, nem os materiais usados se dispõem por si só, com mágica e automática clarividência.
Aquelas duas telas justapostas que o artista pintou com pigmentos retirados da “paisagem” cabo-verdiana são o exemplo da “transcendência de facilidade” que há em sugerir horizontes, precipícios, céus e anónimos objectos da natureza, a partir do gesto mais aparentemente simples, na economia de processos que só um pássaro demonstra ao voar alegremente acrobacias, ou uma onda quando negligente exibe formatos ao estender-se pela areia da praia.
O simpático livro que é editado para valorizar adequadamente o acontecimento distingue-se de certas pagelas ou calhamaços de deitar fora, ornados com pouco mais que o texto oportunista desta ou daquela individualidade autárquica.
Pelo contrário, neste caso, é o próprio artista que nos confidencia as suas impressões e percepções estéticas, em “visita guiada” a cada uma das obras expostas.

Resende colorista, da aguarela ao óleo, até à tapeçaria

O título da mostra é “Resende, uma vida de cor”, facto que acentua uma das principais facetas dos trabalhos apresentados: o tratamento livre e desmistificado (como o autor refere à entrada do mesmo livro) de traços e manchas de teor cromático através dos mais diferenciados meios de registo, muitos deles não mais do que sinais em confronto livre, que dão a entender, não obstante, a transcendência dos valores construtivos de todo o universo das artes plásticas, nas disciplinas expressivas de agora e de todos os tempos.
Obras de Júlio de Resende na Casa Municipal da Cultura de Cantanhede, até 27 de Novembro.

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Publicado no Diário de Coimbra de 12 de Abril de 2005

O meu amigo Ernesto Insua tem o privilégio de viver mesmo ao pé do fim do mundo. É galego de Finisterra, e assume com sentimento e sensibilidade cultural o facto de ser duma região cujo nome traz memórias de tragédia e assusta o visitante que não conhece a sumptuosa paisagem e a paz das suas enseadas de mar adentro: é a Costa da Morte!…
Lugar de muitos mistérios vividos e de muitos outros inventados comunga desse património lendário dos sítios dos quais se diz que ali a terra acaba e o mar começa. Quando ainda não se tinham consolidado fronteiras nesta parte da Europa, foi ali porta de entrada de santos e piratas, invasores ferozes e muitos viajantes marinheiros.
Do concreto conhecimento que Ernesto tem de Portugal, uma coisa lhe prendia a atenção: na sua terra não havia ainda ninguém que se tivesse lembrado de mandar executar um painel de azulejos, esse jeito tão nosso de revestir paredes e cativar imaginários.
Foi em conversas de serão que surgiu a ideia de fabricar essa última coisa que não havia ainda no seu acolhedor hotel rural, finamente instalado em residência antiga de família.
O painel era para uma parede de pedras de granito à ilharga do belo jardim, no extremo dum pórtico, virado para o poente ou seja, para o lado do grande cabo que assinala o fim das peregrinações, sítio mágico de onde se vê o Sol mergulhar no mar longínquo.
Ernesto foi idealizando o seu imaginário painel e eu tomando notas, sem me importar se iria ser possível ou não colocar lá todos esses fins do mundo, essas figuras e céus testemunhas de tanta lida e tanto querer.
Meses depois, com cartas e visitas pelo meio, vejamos então o que já lá está, para durar anos e anos, colocado na parede e olhando para todos os hóspedes e visitantes:
O elemento central é uma rosa dos ventos, objecto simbólico distribuindo o nosso olhar em direcção a quatro paisagens de outros tantos “fins da terra”: Cabo da Roca em Portugal, Lands End na Cornualha, La Pointe du Raz na Bretanha, e o Cabo Finisterra, ali ao pé, na Galiza.
Ao centro, num globo terrestre, aparece a visão distante e sugestiva “do outro lado do mundo”, sonho e destino de vida de tantos milhares de galegos: o continente americano.
À esquerda, em cima, o “painel do peregrino” ostenta a concha de vieira como referencial simbólico, dá-nos conta da proximidade e convivência entre o mar e a serra que o país galego tão abundantemente nos oferece, e da sua enorme componente rural de que o “hórreo” é um adereço insuperável.
No lado superior direito, pairam acima de Land’s End desenhos inspirados na arte rupestre galega, sinais antiquíssimos que sugerem barcas e seres que entendi inscrever no céu, à distância das coisas mágicas e indecifráveis que estão na mais remota memória dos homens.
Em baixo, de ambos os lados da Pointe du Raz, alusões à fauna marítima no seu espaço submarino e à presença das mulheres como protagonistas fundamentais do hercúleo combate travado entre mar e homens na conquista do sustento diário.
Aparece também o indispensável perfil duma traineira que, por sinal, também faz parte do meu imaginário infantil, vivido muito perto do litoral com barcos, mar e pescadores à vista.
Como envolvente dessa variedade de temas foram utilizados grafismos inspirados na arte Celta, cultura referível às áreas geográficas desses quatro grandes Cabos. Isto, em jeito de cercadura, elemento presente em grande quantidade de painéis de azulejos, agora utilizado de forma muito livre, para aglutinar ideias de difícil conciliação visual.
A tradição do azulejo artístico português está pois, a partir de agora e por obra minha, presente em Finisterra, por decisão de um galego amigo e conhecedor das tradições culturais da nossa terra.
Honra seja feita a Ernesto, galego das sete partidas que já foi às Américas vezes sem conta mas que não deixa de olhar Portugal com carinho e atenção de todas as vezes que o visita!…

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Obra de António Segui, exposta na ARCO 2005

Publicado no Diário de Coimbra de 23 de Fevereiro 2005

Para os interessados nas artes, com maior ou menor nível de envolvimento profissional, há um fenómeno que tem adquirido nos últimos vinte anos, como nenhum outro, o carácter de acontecimento altamente interessante e, por isso, frequentável.
A ARCO, feira das artes de Madrid, lá pelos inícios de Fevereiro de cada ano, recebe a visita regular de um contingente numeroso de portugueses que, envolvidos na multidão de outros visitantes, ali vão dar fé de “como vão as artes”, de quais são “as modernas tendências” e do que é que “está a fazer-se lá fora”.
A cidade de Madrid, com uma enormidade de recursos variados, sempre cobre as eventuais insatisfações que o acontecimento em si possa suscitar, explorável de modo superficial no decurso de uma só tarde muitíssimo fatigante.
Tratando-se de uma feira, por isso com intuitos mercantilistas, não deixa de evidenciar um imenso apoio institucional, o que se harmoniza bem com a invulgar energia que os espanhóis colocam nas suas organizações.
O certame, como justaposição de galerias de todos os géneros e proveniências, oferece um caleidoscópio confuso e excessivo de experiências as mais desencontradas, convivendo em dois largos pavilhões obras dos autores mais consagrados com outras de cuja real valia temos todo o direito de duvidar.
Gozando do privilégio de poder fotografar ou filmar todo e qualquer objecto exposto, tem ainda acesso o visitante a editores de obras de carácter artístico, além de representações institucionais como departamentos de cultura de diversas autonomias espanholas, etc.

A ARCO, um marco que se afirma no “nosso” horizonte cultural

Ao fim de vinte e tal anos de participações portuguesas (o que corresponde à atribuição de subsídios de parte do estado, em condições cujo detalhe desconheço) julgo que era tempo de começarmos a ver também resultados, ecos ou aproveitamentos activos de definição e reforço de um comércio artístico de iniciativa própria.
Têm surgido, e são conhecidas, certas iniciativas ao longo de todos estes anos, ao nível de Lisboa e Porto principalmente, nenhuma contudo do género e da pujança que é patente na ARCO, nem ostentando o grau de continuidade que a mesma tem afirmado.
Não haverá entre nós interesse que justifique alguma dedicação a assuntos deste tipo?
Existirá ou não alguma conveniência em estruturar um mercado das artes autónomo, pronto estimular e satisfazer inclinações, carências e aspirações que nos são próprias?

Um interesse artístico que apenas sobrevive

Segundo referências mais que evidentes é abundante o número de agentes artísticos interessados em adornar o seu curriculum com uma presença na ARCO, onde coleccionadores portugueses vão para adquirir obras de artistas nossos e em galerias da mesma nacionalidade.
O facto denuncia, a nível da iniciativa privada, que o nosso meio não é capaz de gerar suficiente dinamismo para pôr em marcha as suas potencialidades, que um simples ensejo de compra “lá fora” começa a gozar de certo apelo e constitui teor de certificação de qualidades que entre nós ninguém ousa, ou deseja, ou pode colocar em evidência.
A nível das instituições públicas de intuito cultural, a despeito de alguns acontecimentos de êxito incontestável cuja ocorrência é mais excepção que regra (referíveis geralmente a individualidades de percurso ou nacionalidade estrangeira) o calendário nacional preenche-se de inumeráveis realizações heterogéneas, prejudicadas no seu todo por uma descontinuidade de critérios expositivos, longe de esquemas programáticos capazes de formar novos públicos e de mobilizar o interesse dos apreciadores já consolidados.
Em muitas outras circunstâncias não está o interessado visitante livre de se encontrar em salas vazias tocadas por vícios de hermética incomunicabilidade, palco de dignidades mais ou menos solenes detentoras do privilégio duma intocável auto-suficiência.
A esse respeito interessaria conhecer de forma clara qual o nível de aproveitamento de todo esse funcionalismo cinzento metalizado, quais os seus critérios de valor e qualidade estética, qual o seu sentido de futuro, de projecto cultural, etc.
Se ninguém persistir na colocação destas perguntas, como poderá ganhar significado e produzir resultados o interesse artístico que apenas sobrevive entre nós, mas de modo disperso, confuso e improducente?
Se não forem jamais respondidas tais questões quem é que vai livrar-nos desta solidão, deste sentimento de andar sempre a correr em círculos?
Ficaremos assim para sempre, a ir cada vez mais, uma vez por ano, às ARCOS?

“El Palo Sagrado” de Antonio Segui

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Painel de azulejos relevados de Querubim Lapa, “Os Sete Espelhos de Narciso”, 187 x 127,5 cm, exposto em 1994 no MNA

NOTA: Mesmo nos edifícios públicos pagos por todos os contribuintes, com obras de arte que deveriam ser de usufruto aberto a todos os cidadãos, impera um sentido de propriedade privada que impede os mesmos cidadãos de colher imagens das obras de arte expostas. Já fui incomodado várias vezes ao tentar documentar-me para efeito de prazer pessoal ou de divulgação absolutamente gratuíta como é aquela que aqui faço. A obra acima colhi-a num catálogo de uma exposição que comprei no Museu do Azulejo. Nada tem a ver com o painel dos Hospitais da Universidade de Coimbra porque não ousei enfrentar os seguranças ali presentes e também porque não estava disposto a percorrer o calvário da burocracia feito pedinte de imagens. Já agora, aos visitantes desta notícia, sugiro que coloquem no vosso “browser” a expressão “hospitais da universidade de coimbra, paineis de querubim lapa”. É só uma pesquisa exploratória. O que é que aparece? Os painéis de Querubim Lapa dos HUC? NÃO!… O que aparece, além de muitas e desvairadas imagens de que é fértil a net, e em primeiro lugar, ESTA MESMA IMAGEM que eu coloquei já há muito nesta notícia; A ÚNICA QUE EXISTE NA NET sobre os painéis de Querubim Lapa ali presentes!… Acham que é preciso acrescentar mais alguma coisa???…

Publicado no Diário de Coimbra de 27 de Dezembro de 2004

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Vistos já certamente por milhões de pares de olhos, bem merecem uma cuidada inscrição no mapa das nossas referências estéticas para Coimbra do sec. XX..
O autor é um artista excelente no panorama das artes plásticas do seu tempo, com preparação académica em pintura e escultura, com uma notável actividade pedagógica na área das artes do fogo e com um estruturado talento que lhe permitiu afirmar-se como desenhador, pintor, escultor e ceramista. É esta a disciplina que mais notoriedade lhe granjeou, não figurando no grupo dos pintores que apenas concebem e projectam obras de arte cerâmica.
Querubim, mais do que isso, afirma-se como executante, intervindo directamente na produção dos trabalhos de sua autoria que atingem um nível de expressão invulgarmente rico e original. Daí que tenha conseguido o acesso a facilidades técnicas notáveis, em meio fabril, mediante as quais pôde conduzir larga actividade experimental.
Uma imensa produção de objectos cerâmicos de todo o tipo, moldados de acordo com as suas determinações, são depois recobertos pelo artista com esmaltes cuja cozedura produz o efeito mais feérico e surpreendente que é possível neste domínio de expressão plástica. Uma das propriedades desses esmaltes, vertidos sob forma líquida, é a de reagirem entre si, produzindo inesperados efeitos de cor, que o artista utiliza com especial maestria.
Quanto ao revestimento parietal essa técnica designa-se da “cerâmica relevada”, e representa uma modalidade artística que oscila entre o relevo e a forma escultórica, muitíssimo mais requintada e dispendiosa que a dos mais modestos quadriláteros cerâmicos pintados a pincel com cores lisas a que chamamos azulejos.

Os esmaltes cerâmicos e os mistérios do corpo

As placas rectangulares que compõem o extenso painel que se encontra no átrio principal dos Hospitais da Universidade de Coimbra, não sendo azulejos clássicos de cores planas, também não são classificáveis na categoria do revestimento cerâmico relevado.
Evidenciam, é certo, acentuações relevadas separando as diversas zonas de cor ou reforçando a perceptibilidade de certos grafismos, oferecendo por isso uma plasticidade enriquecida e aproveitando muito bem a penetração de luz exterior naquela área do edifício.
Concebida para ser contemplada desde o momento de entrada no vasto espaço em que se encontra, a obra apresenta na zona central uma sugestão das estruturas internas do nosso corpo, conferindo acentuada monumentalidade a detalhes orgânicos que têm tudo a ver com a misteriosa vulnerabilidade de que somos feitos. As largas avenidas por onde transita o sangue, os mais recônditos alvéolos pulmonares até aos quais o ar é incessantemente inspirado, produzindo depois, através de faringes, larínges e traqueias, o milagre da voz, a aflição de um grito e o mistério encantado ou funesto de um gemido.
De cada lado desse núcleo aparecem alguns rostos mergulhados numa indeterminação de branco e azul, porventura sugestiva do intervalo doloroso que a enfermidade abre na vida daqueles que entram no Hospital, esperando, na bondade da ciência, socorro na aflição ou alívio no sofrimento.
As proporções da obra, a sua distribuição ao longo de uma superfície articulada e o carácter plástico do material de que é composta libertam-na, de certa forma, da necessidade duma análise de conjunto, o que ajudará a mole de visitantes a procurar na obra o melhor que ela tem para lhes dar ou seja, um certo ar festivo e optimista que é reforçado pela luz intensa das melhores horas do dia.
É nas bandas inferiores e laterais da composição que vai sendo esquecida a disciplina de figuração temática a que a obra se sente vinculada, afirmando ali a expressão mais personalizada do universo do autor.

O painel de Querubim Lapa carece de… intervenção cirúrgica!…

Causa um certo desgosto ver uma obra tão importante, numa cidade onde não abundam os sinais da presença de artistas do nosso tempo detentores do perfil excelente que é Querubim Lapa, de tal forma afectada por contingências da superfície de suporte e das técnicas utilizadas na sua instalação.
Não é preciso ser especialista para notar a abundância de cicatrizes que retalham a obra ao longo de toda a sua extensão. Aqui e ali também são visíveis acções “de restauro” que não ajudam à melhoria nem técnica nem estética do seu estado de “saúde”.
Os painéis deste tipo devem ser aplicados com argamassas de certa elasticidade que possam neutralizar as tensões mecânicas sofridas pelas paredes de suporte. Mesmo que tais efeitos ocorram, as fissuras ocasionais apenas se reflectem ao longo das linhas de separações das unidades cerâmicas, que podem depois ser recolocadas após adequadas ações de restauro.
Segundo o que sei da melhor fonte, contudo, a recuperação deste magnífico conjunto está muito a tempo de fazer-se, restando esperar que bons olhos o vejam e que se coloquem mãos à obra nos cuidados intensivos de que tão urgentemente necessita. E nunca melhor dito, atendendo ao local onde se encontra!…

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Publicado Diário de Coimbra 15 de Novembro de 2004

É muito vulgar que o custo de grandes obras dispare a certa altura do seu processo construtivo, acabando muitas vezes num preço cujo montante iguala, e por vezes supera, o dobro da verba orçamentada.
Não é preciso ilustrar com exemplos a enorme saga da “multiplicação dos milhões”, de tal modo se tornou vulgar o aparecimento de casos com o picante anexo das famosas faltas de “transparência”.
Se, contudo, um artista apresentar uma proposta para inclusão de uma obra de arte dignificante dum empreendimento, seja ele qual for, “ai Jesus que não há meios, ai meu Deus que grande crise”!… Mesmo nos casos em que o custo da peça artística não atinge sequer uma modesta fracção das alcavalas da nebulosa “intransparência”…
Do número incontável de propostas a quem ninguém respondeu, das que tiveram resposta ínvia ou, ainda pior, das que foram encomendadas e nunca foram adquiridas, nem é bom falar!…
O que seria de Coimbra se os homens dos séculos passados tivessem tido os mesmos critérios e evidenciassem a mesma indiferença perante os valores da arte?
Existiriam a capela da Universidade ou a Biblioteca Joanina? Os retábulos da Sé Velha e a sua Porta Especiosa? A talha dourada, as pinturas e os azulejos de mais de cinquenta palácios e igrejas? A pedra talhada dos relevos, as esculturas de vulto, a nobreza das torres, os campanários luminosos, a musicalidade comovente dos sinos e a ressonância orquestral dos órgãos?

O património, as expressões da modernidade e as novas formas de ver

As excepções existem, apesar de tudo, como migalhas esquecidas sobre a toalha enorme das edificações destes últimos 80 anos, mais coisa, menos coisa.
É sobre esse género de exemplos que estas “conversas” já começaram a debruçar-se, considerando certo tipo de obras notáveis poucos “vistas” e escassamente entendidas.
A instituição encomendante da obra mencionada em título já colheu, em termos da notoriedade alcançada pela mesma, o imenso reconhecimento que é patente em capas de livros, catálogos de exposições de âmbito nacional e internacional, cartazes de acontecimentos, menções em obras de autores estrangeiros, etc.
O painel foi aplicado naquela parede de fundo da agência, superfície quase impossível de conceber como portadora duma tal obra, por alcançar dois pisos diferentes que a não deixam ver inteira e situada detrás duma escada de dois lances, felizmente de concepção interessante pela relativa leveza da estrutura à base de metal e madeira.
A solução do artista, perfeitamente inserível no itinerário das suas preocupações estéticas no domínio da azulejaria e da pintura dita “op” ou seja, produtora de efeitos ópticos, foi uma composição abstracta que pudesse resistir à visão por sectores, evidenciando uma pujança cromática apoiada na riqueza de 16 cores organizadas numa sequência contínua retirada do espectro solar que, entretanto, parecem muito mais numerosas devido às interacções respectivas.
Ao nível da técnica cerâmica constitui uma inovação impossível até há poucos anos, dado que durante séculos a paleta do pintor de azulejos se encontrou reduzida a certo grupo de pigmentos, devido à instabilidade das cores que se situam na zona mais “quente” do espectro, os laranjas, os vermelhos, os roxos, os liláses, etc.

Atribulações de um quadrado amarelo em fundo de várias cores

O estudo da dinâmica cromática pode bem ocupar a imaginação criativa de qualquer cliente que espere para ser atendido e se ocupe decifrando planos que se interpõem, a interacção das cores e o jogo de efeitos visuais muito complexos.
De facto, ali se pode dar uma aprofundada lição sobre teorias da cor, entre as quais recordo os célebres tratados de Johannes Itten e as aprofundadas experiências dum artista como Joseph Albers, de quem recordo uma explêndida mostra, há um bom par de anos, levado a cabo pela saudosa Casa Alemã, sob o impulso raro e inolvidável de Karl-Heinz Delille.
Um quadrado amarelo será sempre igual a si próprio, ou pode “transformar-se” consoante esteja em fundo verde, azul, roxo, vermelho ou alaranjado?
E uma tira verde claro ou vermelho forte sob o efeito de quadriláteros de cores diversas é sempre categorizável como “cor de fundo” ou emerge, a certa altura, como “figura” de primeiro plano?
Sobram várias perguntas como estas , mas eu deixo à perspicácia visual do leitor, quando ali se deslocar, a tarefa de desmontar planos, ritmos, intersecções e interacções as mais diversas, com o privilégio de tal exercício ser possível de todo e qualquer ângulo de observação.
É de realçar que o painel apenas se compõe de azulejos simples de cor lisa de 14 cm que somente nalgumas sequências ostentam a “complexidade” de duas cores, por serem os que definem as linhas diagonais ascendentes ou descendentes.
Interessante será a observação do painel para quem suba ou desça a escada entre a cave e o rés do chão dada a confrontação prependicular entre a estrutura da mesma e a dessas barras diagonais.
Se o leitor se afirma incondicional apreciador de painéis de azulejos não deixe pois de refrescar o seu elenco de fruições estéticas com mais este produto genuíno da obra de Eduardo Nery adquirido, em tão boa hora, pelo Montepio Geral.

Foto de minha autoria dos painéis exteriores de Ferreira da Silva no IPO/Coimbra

Publicado Diário de Coimbra 26 de Outubro de 2004

Falando com uma senhora dos quadros do IPO de Coimbra que se referia de modo sensibilizado aos trabalhos de Ferreira da Silva que ali se encontram como parte do património artístico da instituição, ouço algo que alude com especial importância aos mecanismos de percepção e entendimento das obras de arte em geral:
“…A primeira vez que vi aqueles painéis de azulejos, senti-me perturbada. Ultrapassavam a minha capacidade de entendê-los com aqueles cavalos enormes de vultos decompostos; as manchas inextricáveis; a acumulação de sinais!… Um dia alguém lhes fez umas fotografias destinadas a um interessante trabalho gráfico, e essa atitude analítica, distante do compromisso da visão conjunta, foi a porta que se abriu para uma leitura, primeiro da riqueza cromática, depois do imenso universo de vestígios simbólicos. No dia a dia, cada entrada e cada saída me iam revelando um aspecto novo, uma nova faceta. Até que dei comigo, na abundância de valores plásticos, a gostar de tudo, a perceber a totalidade das forças presentes, os detalhes como detalhes e as grandes figuras como interlocutores principais, no seu poder de animar percepções mais além do real, mais perto da ideia, do símbolo!…”

O amor, esse momento principal da atitude criativa

Não vou elaborar sobre este encadeado de observações mais do que o leitor pode e estou certo que sabe fazê-lo. O enredo das nossas percepções não depende apenas do acumulado de noções sobre esta ou aquela realidade. Os afectos; o querer gostar; o achamento das entradas por onde passe a aragem dum entendimento produtivo das coisas; o amor afinal que é, como sabemos, um acto deliberado da consciência valorativa.
Passando o observador uma e outra vez defronte do importante edifício do IPO, ficam-lhe os olhos suspensos no tropel de cores e de formas dos painéis de azulejos que ali estão. Se entrar no edifício, e oxalá não seja por motivo de doença, outros sinais verá da presença artística da obra de Ferreira da Silva, mestre das artes do fogo que para os lados de Caldas da Rainha reside e exerce o seu mister de artista frequentador duma enorme diversidade de disciplinas das artes visuais: da pintura à gravura, da multiplicidade de abordagens da arte cerâmica à escultura, à arte do vidro, etc.
Na área de Pombal da A1, à vista de todos, ali se encontra um painel de estrutura decorativa muito expressiva e cheia de alegria comunicante.
Na Quinta do Pinheiro, em Valado dos Frades, Nazaré, é toda uma multifacetada intervenção que o artista desenvolveu e que contempla os mais variados aspectos da visualidade do empreendimento turístico ali situado. Quanto ao labor que tem desenvolvido nas Caldas da Rainha e sobre uma continuidade de trabalhos de arte que se estende por decénios e se tem espalhado por todo o mundo fica por dizer o essencial, falha que procurarei aliviar, resumidamente por certo, em próximas “conversas”.

Azulejos de Ferreira da Silva no IPO / Coimbra, fotografia e tratamento de imagem de minha autoria

A presença da arte lenitivo e estímulo para quem ama a vida

Em evidência nos azulejos do IPO encontra-se abundantemente explicitada a enorme familiaridade que o artista desenvolveu nas suas profundas incursões pelas artes do fogo em geral e pela linguagem da decoração azulejar em particular. Como autor de projectos Ferreira da Silva efectua em cada obra uma espécie de mergulho de corpo inteiro, fazendo com que a atitude da concepção não se detenha no momento inicial. Até ao último gesto de aplicação de pigmentos, até ao acto de montagem de cada quadrilátero cerâmico e se preciso for em gestos de composição final fora da própria sequência previsível de associação das peças, ali encontramos uma surpresa, uma decisão inventada que desafia o espectador e o coloca perante as mais sugestivas variantes da expressão plástica que o azulejo oferece.

A materialização da luz, preocupação central do artista

Quanto à pintura sobre azulejos propriamente dita, não se esgotam os recursos de novidade e encantamento. Uma técnica dominada pelo experimentalismo confere ao simples quadrilátero cerâmico a categoria duma peça em relevo, cujos pigmentos borbulham e ressaltam numa inquietação que a cozedura impôs, modulando as cores muito para além da monotonia de lisura de certa azulejaria vulgar. A utilização de processos de execução automática, ou máscaras, abre em negativo imagens que noutros locais se apresentam em positivo, e inúmeras variantes decorativas de fundo aparecem muitas vezes seccionadas por sinais de uma gestualidade resoluta e inesperada. Fissuras e vibrações de todo o tipo acrescentam a casualidade que só obras com vários séculos de idade podem oferecer ao apreciador inveterado. Bem fizeram os dirigentes e responsáveis do Instituto Português de Oncologia Francisco Gentil de Coimbra, ao terem adquirido os diversos trabalhos de Ferreira da Silva, ali presentes. Além duma atitude de bom gosto, foi de certeza um acto destinado a estimular a inteligência vital e a capacidade de encarar cada momento de vida com o mesmo desígnio intencionado de encontrar a luz que a obra de Ferreira da Silva tão coerentemente persegue.

Publicado Diário de Coimbra  1 de Setembro de 2004

Até fins de Setembro é ainda tempo para visitar a notável exposição retrospectiva de Eduardo Nery no Centro de Artes e Espectáculos da Figueira da Foz, que abarca a actividade do artista durante mais de quarenta anos em disciplinas tão variadas como o azulejo (com parte de leão), o mosaico, o vitral e a tapeçaria. De assinalar a qualidade da exposição quanto à distribuição espacial, ao desenvolvimento estético-pedagógico e à natureza especialmente valiosa dos conteúdos. Foi organizada por entidades museológicas nacionais, mostrada em Lisboa e Porto, e deveria ser chamada a desempenhar um importante papel junto de públicos diversos para além dos que são assíduos na visitação de actos artístico-culturais.

À atenção de donos e mestres de obras

Se tivesse o privilégio de escolher leitores, gostaria hoje de chamar a atenção de donos e mestres de obras, empreiteiros, empresários, arquitectos, autarcas ou outras entidades que tenham a ver com a preservação e desenvolvimento do nosso património edificado. Muitos dos edifícios que são construídos no nosso país ostentam, no que toca a processos de resvestimento exterior e interior, soluções que nada têm a ver com a cultura artística do país ou com as suas características climáticas, estendendo-se a questão ao interesse arquitectónico que deveria merecer o chão, as fachadas, as paredes, os vãos e os tectos. As imensas superfícies envidraçadas e os cinzentos ou castanhos metalizados, por exemplo, bem podem fornecer o toque de espavento pseudocosmopolita,  mas carecem da nobreza de materiais e técnicas mais conhecidas entre nós, obrigando em certos casos a vultuosos dispêndios energéticos em aquecimento, no inverno, e em ar condicionado, no verão. Onde contudo mais rotundamente falham é na ruptura com modelos de caracter estético que conferem ao nosso contexto urbano as suas características próprias e a sua marca de individualidade. Os hábitos dos agentes construtores e o isolado elitismo da cultura artística institucionalizada são realidades que entre si se ignoram, donde a fácil vitória do novo-riquismo invasor e do facilitismo consumista, eivados muitas vezes dum eriçado e lamentável mau gosto. Parece que o país enjeitou ou é incapaz de defender e criar os seus próprios modelos, desperdiçando riqueza na importação de outros que lhe são completamente alheios. É por isso mesmo que desta vez não me dirijo aos intelectuais, aos ilustrados professores e aos estudiosos, tão atentos às vertentes históricas consagradas e tão distanciados das realidades concretas do hoje, com suas determinações e exigências naturais.

A exposição de Eduardo Nery devia ser visitada pelos homens que vão ter na mão o lápis que faz os esquiços dos ante-projectos, os que têm a incumbência de elaborar os cadernos de encargos ou que empunham a caneta que assina a ordem de construir as obras. A cidade de Coimbra, onde não abundam os exemplos da utilização moderna de meios cerâmicos para revestimento ou decoração parietal, dá mostras crescentes de já ter adoptado a famosa receita das fachadas envidraçadas, das precárias superfícies de fosco metalizado e aquelas coisas espelhadas que brilham muito, estereótipos copiados não se sabe donde, reflectindo o gosto, ou falta dele, de quem tem pressa no acto de escolher e completamente ignora os imaginários que fizeram de Portugal um país com arte e cultura próprias.

Azulejos Eduardo Nery, Metro Campo Grande, Lisboa (Wikipedia)

Os painéis antigos também foram arte contemporânea

Algumas importantes e prestigiadas empresas que durante muitos anos produziram cerâmica com finalidades construtivas, decorativas ou simples utilidades de uso quotidiano saíram já de cenário. O seu trabalho ficará na memória dos que tiverem a coragem de querer saber quem somos, páginas de um presente “passado” ao qual se virou costas porque importar é mais “barato”, e aquilo que por cá se faz “já está mais do que visto”. O desfilar de exemplos oferecidos pelas intervenções urbanas de Eduardo Nery são duma imensa variedade  e riqueza, não deixando de evidenciar um desejável sentido renovador. São outras tantas vitórias do operador estético junto da sociedade produtiva na qual se insere, e da qual depende inteiramente no acto esclarecido da encomenda. A renovação e o reforço da capacidade produtiva dum país não caiem do céu aos trambolhões, e é preciso que todos os agentes construtores se lembrem disso. Os magníficos painéis de azulejos que foram produzidos em Portugal durante os séculos passados eram, nessa altura, arte contemporânea e, muitas vezes, fortemente inovadora. Muitos deles foram exportados e, onde quer que se encontrem, são ainda motivo de enobrecido prestígio e admiração. Quem quer que os encomendou fez o melhor dos negócios: serviu o presente e garantiu o futuro.

Se os homens deste início de terceiro milénio não sabem disso, como poderão ganhar alguma vez o direito e o mérito de ser lembrados como verdadeiros agentes de evolução e progresso? Como poderão alguma vez enunciar com honra, a par do proveito imediato, a qualidade e o valor do produto do seu trabalho?

Malick Sidibé no CAV, ou o glorioso espectáculo da humanidade

Publicado Diário de Coimbra  21 de Maio de 2004

Pensar em África resulta sempre num imenso encadeado de associações de ideias em que se dão as mãos a mais deslumbrante paixão vital e os mais dolorosos sentimentos de prejuízo humanitário. Malick Sidibé, homem que nasceu em 1936 no Mali, estado vizinho da Guiné Bissau, fez parte das gerações que testemunharam “uma época de mudança resultante do fim dos impérios coloniais”. Acho que vale a pena mencionar que o Mali, antigo Sudão francês, apesar de ser o primeiro produtor de algodão da África subsariana, ocupa o 4º lugar entre os países mais pobres do mundo.

Olhando pois para as datas em que foram tiradas as fotografias expostas no CAV, causa-me um assombro de luto concluir que o esplendor de juventude e de vitalidade palpitante evidenciados pelos figurantes das mesmas pode entretanto ter-se extinguido, bastando saber que a esperança de vida não ultrapassa naquele país a barreira dos quarenta anos. Visitemos o CAV, não obstante, colhendo de cada imagem o deslumbramento de que formos capazes, aceitando como perene a natureza revelada e a juventude sem limites, porque convictas da sua própria autenticidade, ostentando todos os símbolos possíveis de exuberância afirmativa, quer de natureza tradicional e autóctone, quer de importação recente, sujeita aos ditames duma outra sociedade, cujas excelências podem nunca ter sido experimentadas pelos retratados. Malick Sidibé, de quem se diz “ter fotografado sempre por gosto e dever de ofício, jamais pensando numa carreira artística”, teve o talento de fazer passar pelas suas objectivas todas essas figuras saturadas de naturalidade, muito embora entregues por vezes, com a cumplicidade óbvia do próprio autor fotógrafo, a um jogo de atitudes artificiais comandadas pelo desejo de representação de subjectividades e de anseios pessoais.

À primeira vista fáceis de organizar tipologicamente, as fotografias de Sidibé revelam-se abundantes na variedade de propósitos de cada um dos protagonistas, ou grupos de protagonistas,  e na captação peculiar que dos mesmos foi efectuada pelo artista. Aparece a fotografia a três quartos e de meio corpo, evocativa da sumptuosa tradição da arte do retrato, as figurações conjuntas de colectivos em poses que sempre nos dizem muito pela energia e coesão respectivas, a galeria de figuras isoladas cuja personalidade é evidenciada pelos expedientes mais simples e a daqueles que se preocupam em ostentar certos símbolos aculturantes de efeito pretensamente convincente. Sabemos que o artista, já no virar do milénio, e depois de ter caído em desuso a fotografia de retrato tradicional, iniciou experiências com retratos de pessoas que figuram viradas de costas para a objectiva. Sem qualquer informação adicional, a opção não deixa de parecer misteriosamente simbólica de todo o encadeado de problemas em que mergulha o homem africano, ensimesmado na solidão do seu drama, afastado cada vez mais das fontes ancestrais donde parecia brotar uma pureza de vigor sem limites, e nem por isso mais próximo dos padrões afirmados pela envolvente e invasora civilização do homem branco.

Nos “Project Rooms” estão duas realizações, uma da autoria de Ricardo Valentim e outra evocativa da experiência em África dos familiares de Manuel Santos Maia. A primeira das duas faz convergir várias modalidades de intervenção artística: o registo mural, a pintura sobre tela e algo que me permitirei designar, sem compromisso de rigor, como uma “elaboração escultórica”.  O diálogo travado entre essas componentes é-nos apresentado num espaço esguio e alongado, o que acentua o efeito cenográfico do conjunto. Toda a instalação, realizada com materiais francamente modestos, opera uma fusão dinâmica com a iluminação do compartimento, particularmente expressiva para os elementos situados na parte mais elevada. Quanto ao projecto de M.S. Maia é de salientar o interesse histórico, etnográfico, cultural e até afectivo que evidencia, não sendo legível de forma imediata, antes solicitando uma cuidada observação. O espaço concentrado em que se encontra e o facto de a projecção de slides ser de fruição intimista (através de auscultadores), é inversamente proporcional ao âmbito do projecto, dotado de amplas áreas de significação que abrem para questionamentos da mais variada índole. “Espaços de projecto” deste tipo demonstram que as obras que figuram, por necessidades compreensíveis, em salas algo mais recuadas, não são menos merecedoras duma apreciação cuidada e atenta se fornecerem, como é o caso, e traduzindo do inglês, “alimentação para o pensamento” (food for thought!…)

Publicado Diário de Coimbra  13 de Fevereiro de 2004

Regresso a casa de mais uma visita ao CAV nesta tarde de ameno inverno que envolve na luz as mais desencontradas ilusões dum quotidiano ferido por vulgaridades atrozes e contingências que só o tempo resolverá, na sua incessante máquina de reproduzir instantes. Manuseio com prazer o material de apoio estético que trouxe comigo, resultante do esmero habitual da instituição. Resisto à tentação de mergulhar já na contemplação do livro branco que guarda o segredo de Jemima Stehli, a carne “cromogénica”, a epiderme feminina em “gelatina de prata” e o “velcro” em “plexiglas”.

Dos pátios com vocação lírica à insignificância dos críticos

Para já, o átrio exterior e as “Longer Journeys” de Pedro Cabrita Reis. Quando vi no jornal a primeira foto de divulgação da obra, mostrava-se a mesma num espaço interior, quase exíguo, de paredes de tijolo maciço e tecto de travejamento em madeira, soturnamente evocativo duma atmosfera fechada na humidade do silêncio. “Onde ela ficava bem era no pátio do CAV”, pensei de mim para comigo! E ela ali está, de facto, para benefício de quem visita, acrescentando valor ao sítio, “projectando-o”. As proporções humanizadas daquele quase recinto de teatrais enredos conferem à estrutura a sugestão interminável de pórticos sobrepostos, como se se tratasse de encenação operática ou labirinto para ritmados desencontros. Aquilo que o trabalho de Cabrita Reis foi de nave luminosa no espaço fechado, transforma-se ali numa sugestão de mergulho no firmamento, sobretudo se tivermos, como eu, a sorte de visitar aquele espaço à hora final da tarde em que mais hesitante e colorida é a luz que rodeia o mundo. Afirma PCR que “…A arte tem a ver com questões e nunca com declarações” e isso é algo que não vou aclarar, posto que o leitor melhor saberá fazê-lo que eu próprio já que, como bem afirma Barry Schwabsky no seu texto sobre Jemima Stehli “Só um louco tomaria um crítico de arte como uma autoridade em qualquer assunto…”

O interminável corpo da mulher

À parte a presença, pateticamente irrisória dos co-figurantes de algumas das obras propostas por JS (ou exactamente “por causa” dessa presença intencionada…) o corpo da artista erige-se em monumento ao acto fotográfico, não deixando contudo de nos embalar na evidência carnal e trágica que consigo transporta. É curioso que só às co-figurantes tenha sido conferida a gravidade problematizante da nudez . Como se aqui a nudez de pé fosse um privilégio de mais segura eternidade, e o riso equívoco de homens sentados o passaporte para uma relativa dignidade, redutora e burocrática. Como é monumental e decidida a figura perpendicular de JS, vestida ou nua, em paralelo, deixando para trás a superfície branca da tela de fundo! Como é literária e pictórica nas fotos coloridas, em movimento ou desconcerto posicional se em fundo vermelho! Grace e Karen são empurradas até nós num quase perturbável “exagero de proximidade” pelo esplendor tecnológico-fotográfico dos laboratórios londrinos. Nessas duas situações JS “apaga-se” numa surda presença oficinal, sendo apenas evocada  na semelhança longilínea das duas mulheres figuradas, ambas escorreitas e de bem marcada genitalidade, como ela própria. O “Strip” da artista frente às personalidades sentadas é impiedosamente ruidoso, sinalizando mais do que evidenciando as contingências do mostrar dúbio, convencional e estratégico, não se esgotando nisso uma variedade de outros aspectos do conjunto de fotografias que nos é mostrado.

Project rooms, o futuro e o juízo rigoroso

Nas minhas andanças de pintor sempre ouvi dizer aos meus críticos mais lúcidos e pertinentes que a obra é que conta, e só ela, para a ponderação do seu valor intrínseco. A explicação, o enredo, os preâmbulos que a respeito da obra possam ser aduzidos em nada contam, e nada pesam a favor ou desfavor da dita. A esse respeito muito caminho terá de andar a arte contemporânea para que transponha o portal das suas importantes intenções, se não corporizar de forma universalizante o teor dos seus conteúdos. O esmero estético das obras de Catarina Felgueiras e Nuno Ramalho, e o impacto problematizante de que se revestem alguns dos seus argumentos expressivos dependem demais do texto de Miguel Amado para que possamos “lê-los”. E isso entende-se na rapidez fugaz que certo público dispensa à visita dos espaços reservados a essas duas contribuições.

Publicado Diário de Coimbra  23 de Maio de 2003

A visita à exposição de Gabriel Orozco, rapaz que nasceu no México quando eu já tinha os meus vinte anos, proporcionou-me um daqueles momentos raros na vida que permitem pôr de lado uma série incontável de relativismos, necessidades e tensões da mente. Desligar defesas às quais a crispação dos dias nos obriga, para deixar entrar por janelas escancaradas a deliciosa carícia do vento antigo que traz notícias da criação do mundo e que, no mesmo trajecto de impulsos, aponta lá para diante, para onde pensamos que mora o futuro. Vagueei por entre os variados motivos que no elegantíssimo espaço se encontram dispostos, sem qualquer necessidade de referenciação cronológica, social, histórica ou geográfica, captando em cada família de objectos o nexo imperioso de inter-relações formais, simbólicas e estéticas que desenvolvem no observador.

Das cidades ancestrais aos gestos do futuro

Ao entrar recebe-nos uma primeira e sumptuosa visão de grande angular que mostra uma cidade de um país antigo feita de arquitecturas de terra, telhados frágeis de colmo e  terraços áridos de secura. Ao fundo dessa fotografia ergue-se a sentinela vigilante que separa as almas da lonjura da planície e das serras distantes, uma monumental formação pedregosa,  fortaleza natural esculpida e afeiçoada por ventos e por milénios. Esse primeiro elemento encoraja-nos a descolar das coisas que deixámos lá fora na rua poluída e ruidosa onde todas as atitudes vitais parecerem depender do esquematismo de sapiências controladas. Em cima das mesas, cheias da nobreza expressiva do material singelo de que são feitas, encontram-se objectos de barro cozido, a primeira das famílias que referenciamos. Impressionam pela robustez estética e pela variedade de conceitos plásticos, situados nos extremos distantes da funcionalidade para a sobrevivência, na determinação do gesto construtivo e no reflexo das configurações do corpo. Uma dessas figuras transmite, na antiguidade do material de que é feita, a explícita alusão às branduras do corpo íntimo, tal como outras remetem para uma ortopedia ciclópica ou sugerem modelos reduzidos de compactos megalitos. Nas paredes outras fotos e outros desenhos transpõem para distintos planos de significação os objectos referidos, enquadrando-os no contexto de uma civilização bem próxima da terra, de formas e gestos universais onde as linhas da própria mão se apresentam impressas, tal como as nervuras delicadas das folhas de uma planta.

O fenómeno mais intenso e a descoberta que fará flutuar o visitante encontra-se exactamente nesse cruzamento de sentidos. Das fotografias aos objectos e destes às elaborações desenhísticas e pictóricas há uma acumulação de itinerários que conduzem da gravidade remota de silêncios arqueológicos até às sínteses mais depuradas das visões da modernidade. Nas fotografias não é o pitoresco de circunstâncias etnológicas ou folclóricas o que mais impressiona mas sim a memória duma antiguidade transcendente na qual o vulto do homem, tal como nas grandes narrativas mitológicas, aparece apenas de forma austeramente simbólica confinado às imagens que reflectem a sua labuta pela sobrevivência: uma epopeia de pegadas em chão de terra seca, carreiros de pedra solta ou lajes afeiçoadas ao caminhar sólido e lento que conduz à eternidade.

A responsabilidade cultural e os cerimoniais inúteis

Exposições como esta, somatório de atitudes de rigor e generosidade formativa/informativa, responsabilizam imenso o visitante. Se houver olhos para ver e entendimento aberto para o fenómeno que está presente actualmente no Centro de Artes Visuais (CAV), e de que a exposição de Gabriel Orozco não é nem o primeiro nem o único sinal disponível, a comunidade dos apreciadores das artes vai ter cada vez mais dificuldade em entender a trivialidade baça e sem sentido de pendurações inconsequentes de objectos desconexos e abandonados à sorte da sua própria circunstância, por mais respeitável e entendível que tenha sido o seu momento criador (e muitas vezes, infelizmente, nem é esse o caso). Não vale a pena conceber a arte e a cultura como uma fatigante colecção de formalismos mais ou menos credenciados pela dignidade transitória de notabilidades encadeiradas. Se a cultura ou a arte não atingirem a serenidade fecunda da substância realmente comunicante, não passarão da fragilidade dum quotidiano sem raízes, nem memória, nem semente que floresça no ventre do futuro.